“如果说荒木经惟是个色情摄影家，森山大道是街头摄影家，那么杉本博司就是哲学摄影家。”杉本的创作将东西方史学、哲学和美学带入摄影，企图使用照片呈现人类记忆的深层，将摄影作品提升至艺术品层次。“杉本博司是我们这个时代最令人尊重的摄影家之一。他的重要摄影题材都是对艺术、历史、科学与宗教的诠释。他将东方哲学思想与西方文化主旨完美地结合在一起。”
闪电原野系列，西方科技与东方禅意的完美结合
生平经历
杉本博司生活在日本少数未受轰炸的地区长大，从小接受西方油画的艺术教育，并在美国留学毕业，后经过学习研究，成为著名摄影师，艺术家，其摄影观的建立、养成鲜少受到日本国内摄影圈的影响，是少数独立于日本摄影发展系统的摄影家。
杉本博司虽接受的是完全的西式教育，却对日本对古美术、建筑、文学、历史的造诣很深，他将东西方史学、哲学和美学带入摄影，极致了摄影意义。
杉本博司
杉本博司，年出生于东京下町的御徒町（今台东区），家中是银座经营有成的美容用品商社“银美”，父亲为企业家。他在少数未受空袭轰炸的地区成长，自认是战前日本人。然而欧美媒体询问出生地时，他的答案通常是被占领的日本。
在母亲影响下，杉本进入私立基督教名校立教中学（今立教新座高中），接受西方的油画与雕塑等美术教育。高中时期，他就参加了摄影社。基于将来可能继承家业的考虑，大学就读立教大学经济系。
70年代正逢日本学运风潮，大学毕业的杉本博司无继承家业之意，在母亲同意下赴美，同年进入洛杉矶的艺术中心设计学院学习摄影，于年毕业。之后移民纽约，先后获纽约州政府、古根汉、美国教育协会的奖学金，开始摄影创作。此后约十年间，杉本博司往来日本纽约两地，身兼古董商。此时期的经验养成杉本日后收藏日本古文物的习惯，也培养出他对日本古美术、建筑、文学、历史的造诣。
佛海系列
年，杉本博司发表首组作品《透视画馆》系列，确定了他透过摄影将时间与历史可视化的创作主题。年，杉本于日本南画廊举行首次个展。年，杉本于纽约Sonnabend艺廊举办首次海外个展，并陆续在洛杉矶现代美术馆、纽约大都会艺术博物馆、德国古根汉美术馆、法国卡地亚基金会等地巡回展出，受到高度评价。透过杉本博司的创作，原本被视为低自由度的摄影媒材，展现了新的可能性。年，杉本获颁素有“摄影诺贝尔奖”之称的哈苏相机基金会国际摄影奖。
透视画馆系列
年，日本东京的森美术馆（MoriArtMuseum）举办了一个极为重要与成功的大型摄影回顾展——时间的终焉（EndofTime），展出杉本博司横跨至年的30年来，各个时期的不同系列作品，为数件以上，同时展出新作和未公开发表过的作品，是他一生作品最为完整的呈现。参观人次创该馆纪录。
系列作品
杉本博司从70年代开始创作到现在。在40多年的摄影生涯中，其作品最显著的外在特点，便是绝大部分都是由数十幅大尺寸照片构成的“系列”，如70年代的“透视画馆”（Dioramas）系列、“剧院”（Theaters）系列、，80年代的“海景”（Seascapes）系列，90年代的“建筑”（Architectures）系列、京都三十间堂“佛海”（SeaofBuddhas）系列、蜡像馆“肖像”（Portraits）系列，以及进入新千年之后的“概念形式”（ConceptualForms）系列、“闪电原野”（LightingFields）系列、“影之色”（ColorsofShadow）等等。虽然这些系列题材各不相同，但时间、记忆、梦想以及历史的摄影主题却一直贯穿其中，杉本希望用照片来呈现记忆的深层。
概念形式系列
杉本博司曾说：“记忆是一件不可思议的事情：你不会记得昨天发生了什么，但是你却可以清晰地回忆起童年的瞬间。在记忆中这些瞬间缓慢地流逝，也许正因为这些体验都是第一次发生，使得印象更为栩栩如生。然而接下来不断的体验，一直到成人时代都是对过去的重复，因此也就逐渐变得无足轻重。细细回忆你最早的记忆，从童年一路过来，就可以发现记忆永远是堆积起来的，层层叠叠。”
海景系列
“我创作的原因就是为了探索时间的概念，世界上所有的动物都没有时间的概念，除了人。人对时间的感受也因为职业不同而不同，考古学家从古人的角度看时间，数学家以数学的角度看时间，而摄影就像时间机器，它记录时间，我试图从摄影的角度回答，时间对人到底意味着什么。”带着对“时间”“记忆”的思考，杉本博司进行了一系列的摄影探索和创作。
透视画馆系列
他的首个摄影系列《透视画馆》，就体现着时间与历史的创作主题。“年，刚抵达纽约的我，开始熟悉这个城市。当来到自然史博物馆时，我发现一件奇妙之事，就是动物制成的标本一旦放上舞台，怎样都让人感觉不再是真的。但闭上一只眼睛、远近感消失的瞬间，它们又突然看来如此活生生。我发现了同相机般窥看世界的方法。无论是如何的虚像，一旦被摄影拍下，就成为实像。”杉本博司这样回忆当时的创作经历。
博物馆里的动物标本不是已经灭绝就是难得一见的濒危物种，杉本博司用相机将这种距离缩短，让标本和它的背景融为一体，让时间在回到过去。
剧院系列
之后的《剧院》系列更是对“时间”的进一步探索。“一个晚上，当我在美国自然历史博物馆拍照片的时候，忽然有一个想法，我问我自己，如果把一整部电影在一张照片上拍摄出来会是什么样？我心里回答说，你会得到一张发光的帆布。为了能实现这个想法，我马上开始实验。一个下午我带着一架大画幅相机来到东部一个很便宜的电影院，电影一开始，我就打开大光圈按下快门。两个小时后电影结束时我闭上光圈并在当天晚上把这张底片冲洗出来，我想像中的画面猛的呈现在我眼前。”这就是杉本博司著名摄影作品《剧院》系列创作灵感的来源。
从上世纪70年代后期开始，杉本博司遍寻美国各地遗留的上世纪初期的老式影剧院，在放映电影时，始终保持相机快门的开启状态，对着银幕拍摄，使之成为一块纯粹的白色发光体。通过银幕这一载体将时间的流逝形象化，他将这称为“被曝光的时间”。
在电影结束时，当观众陆陆续续的散去，谈话声消失了，哭笑声消失了，脚步声消失了。静静的，唯一依然存在的是那播放过无数电影的屏幕，仍然残存一丝人体温度的座位和属于影院建筑中的一切，它们见证了时间的流逝。每一件事物当他经历了时间的侵蚀，岁月的洗礼，它的身上就会承载无数的故事，而每一个故事都会或明显或不明显的改变着事物的本身。
海景系列
20世纪80年代，杉本博司又开始拍摄《海景》系列，为此他的足迹遍及世界各地。与以往风格不同的是，《海景》系列作品的构图极为简练，水平线居画面中央，将天空和大海一分为二，惟一能让观者辨别每幅作品不同的只有标题。尽管标题为“牙买加，加勒比海”，但是照片并没有任何地理学的标志，只是光线、空气、水和氛围。在强调这些自然元素时，杉本博司似乎在真实面前垂下了面纱，在有形的物体上加上了观念，将大海回归到其本体的水和空气的状态。尽管几乎是抽象的，几乎神秘的几何构成，同时从一幅画面到另一幅画面不断重复阴阳关系，从世界各地的海洋到海洋，大海终于回归了人类未曾触摸的原始状态。
杉本博司的海景不再是海的照片，它们最终成为从黑暗的过去升起的某种东西，是一种时间机器捕获的超越我们存在的视觉，那些海的物质如水和空气暗示我们生命的起源。记忆的跨度在杉本这里从几十年一下子伸展到数千年，“我的‘海景’系列是可以和古人分享的，也许陆地上的景致变化了，但可能我们和石器时代的人看到的是同样的海，可以穿越几千年的时光”。
建筑系列
杉本博司在20世纪末所进行的《建筑》系列创作，则是他对”空间“和”历史“的探索。他将诸多分散于世界各地的近代着名建筑作品拍摄成模糊失焦的影像，包括柯比意的萨伏伊别墅、密斯?凡德罗设计的巴塞隆纳世博会德国馆、路易斯?巴拉干的自宅、工作室。
这些多数完成于20世纪、象征近代建筑发展的重要作品，在杉本博司的镜头下反而成为幽远的幻影，甚至产生建筑形式逐渐消融的景象，像是对建筑的初衷与建筑物最后的型态呈现，进行了深刻的反思与提问，一如他在撰写的文集裡所谈到：建筑物是建筑的坟墓。
摄影地位
由机械和化学构成的摄影，一直被认为是一种现代科学的工具，用来记录世界真实和客观呈现。不管从是沃克?伊文思的纪实到爱德华?斯泰肯的画意自然，或是从罗伯特?弗兰克粗糙的写实主义到安塞尔?亚当斯细腻精美的加利福尼亚荒原，这些景观都保留了摄影复制自然的基本意图，捕捉存在于镜头前的真实。从这一层意义上说，摄影成为世界的“镜面”。
而杉本博司所探寻的，就是一种将照相机和世界分离的观念。在50和60年代，李?弗里德兰德以及其他的一些摄影家可以让自己的投影或折射出现在画框之中，从而提醒观众摄影家的在场，打破照相机和世界之间的距离。对于杉本博司来说，他所北京中医院治疗白癜风效果怎么样白癜风用什么药膏好使
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